que paso!!

me di cuenta de que hay una seccion de NOTICIAS MUSICALES y pense por que no una de ENTREVISTAS MUSICALES, asi que emepezamos con esta........

La reinvención de Darren Hayes


Se arriesgó a dejar atrás el fenómeno internacional de Savage Garden, que le dejó fama, fortuna y una gran cantidad de seguidores a nivel mundial. Se lanzó en solitario, con un debut denominado Spin, del cual salieron sencillos como “Insatiable” y “Crush”, que si bien no fueron tan exitosos como lo que hizo con su ex compañero Daniel Jones, lo mantuvieron vigente en el gusto de sus fans. Ahora podemos ser testigos de

La reinvención de Darren Hayes

Darren Hayes tuvo que detenerse… Aquello no era lo que quería. Así, comenzó un largo proceso de introspección y de él salió The Tension and the Spark, un segundo disco donde explora a fondo muchos de sus demonios y que por lo tanto resulta un material personal y revelador. En entrevista exclusiva para Círculo Mixup, Darren nos habla de este proceso, de su padre alcohólico, su infancia infeliz y su eterna búsqueda del amor ideal, todo a través de su música.



Lo primero que llama la atención es que declaras a The Tension and the Spark como el disco que siempre quisiste hacer.

Sí, lo es. Es un disco muy arriesgado, y a la gente de mi management y mi disquera les daba miedo sacarlo, pero en realidad no me importa. Lo amo. Tengo 32 años, muchas cosas en mi vida están cambiando para mejor, algo que agradezco, y todo eso se refleja en mi música. Es un disco muy personal. Y estaba asustado de dar este paso, porque podía molestar a muchos de mis fans, que quizá no lo entenderían. Pero siempre estuve interesado en este estilo de música. Recuerdo que cuando Madonna sacó el Ray of Light me entristecí un poco, porque me di cuenta que era justo eso lo que quería hacer y alguien se me había adelantado. Siempre experimenté un poco con la electrónica, pero nunca lo hice muy bien, y en este disco conseguí trabajar con gente tan talentosa como Marius DeVries. Fue todo muy cómodo, porque me introduje en su mundo y me convertí tan sólo en la voz que expresaba todo su universo.


Las letras revelan mucho de ti, sobre todo en temas como “Darkness”.

Sí, y era algo aterrador… Aunque la verdad también bastante liberador. Es un alivio porque como artista siempre tienes la expectativa de mantenerte contento y sonriente a toda hora y estar al pendiente de todo a tu alrededor. Y con este disco, por primera vez en toda mi carrera, tan sólo digo: “¿Saben qué? No soy un príncipe, no estoy todo el tiempo feliz, a veces no sé ni lo que estoy haciendo, en ocasiones no creo en el amor. No siempre experimento la vida como debería o como muestran mis fotos de publicidad pasadas por Photoshop. Soy como tú. Tengo preguntas, desilusiones, esperanzas, sueños, deseos, fracasos, éxitos…” Pero no cabe duda que fue maravilloso a la hora de componer este disco decidirme a no mantener las apariencias nunca más.


También hablas sobre haber ido de la oscuridad a la luz. ¿Qué tan inmerso estabas en eso y de qué manera?

Para mí es una transición, sigo luchando todavía para poder salir de ella en varios aspectos de mi vida. Me he dado cuenta con este disco de que me convertí en artista para escapar muchas de mis tristezas, cuando era niño, de la relación con mi padre, de la familia con la que crecí… Así que traté de reinventarme y me convertí en cantante. Y cuando me volví famoso me amaron, me aplaudieron y me hicieron sentir bien por un momento, pero eso no arregló mis fallas. Nunca se iban a ir. Conforme crezco y pasan los años, he tratado de aceptar mis responsabilidades y entender que no puedo sólo ponerle una curita a mis defectos. Debo afrontarlas, para así poder madurar.


¿Qué estaba mal con tu vida antes?

No creo que hubiera algo malo en sí, pero sí tuve que perdonar mucho. Mi padre era alcohólico y muy violento con mi madre. Tuve una infancia muy infeliz, jamás me sentí seguro, y sin embargo quiero mucho a mi padre. Es difícil admitirle eso a un extraño, al mundo entero. Pero es un hombre bueno, ya está sobrio, es un sobreviviente, al igual que toda la familia. Y tampoco puedo mentirte, él fue la razón más fuerte por la que me he convertido en lo que soy. Toda mi infancia la viví con miedo. Y como adulto, he querido huir de eso. Ha afectado mis relaciones y hasta mi trabajo. Y la verdad, ya no quiero escapar. Creo que me hace bien hablar de cosas como ésta.


¿Cuál es el mayor sueño que aún te falta por cumplir?

Creo que este disco es uno de ellos. Es una libertad artística, no importa si lo odian o lo quieren, yo lo adoro y di lo mejor de mí. El otro sueño que me gustaría cumplir es tener una relación estable, tener un hijo y ser normal. O bueno, lo que sea que signifique ser “normal”. Aún añoro eso, y lo he hecho por mucho tiempo. Una familia.


¿Qué música escuchaste para inspirarte a escribir The Tensión and the Spark?

Oía mucho a Air, Goldfrapp, Kylie Minogue, Madonna, Kraftwerk, Daft Punk, David Gray, cuyos discos me encantan… Nelly Furtado es increíble, tan hermosa y talentosa…


Después de “Pop!ular”, ¿qué sencillos vienen?

El segundo será “Darkness”, que abre el disco. Quiero que el tercero sea “Unlovable” y quizá “Dublin Sky”, pero prefiero que sea la última canción a promocionar.


¿Qué esperas que te deje el disco?

Quisiera que sea el comienzo de una nueva etapa en mi carrera, una reinvención. Podría ser la forma en que siga haciendo mis discos por unos quince, veinte años en lugar de ser considerado como artista de éxito efímero. No creo que este disco se convierta en un fenómeno, pero me parece que me va a dar una carrera. Una que me dé la posibilidad de seguir haciendo los discos que yo quiera.

Darren Hayes. The Tension and the Spark. Sony Music, 2004.
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hola....

pues ahi les va otra entrevista,bueno mas que una entrevista es un reportaje que se trata de bjork, espero les guste..

Björk sin ornamentos

A Björk le gusta ponernos en jaque. No contenta con incursionar en el cine y luego abandonarlo o con ser, por mucho, una de las mayores fuentes de divisas para su país, la islandesa pone a temblar nuestras carteras cada que lanza un nuevo DVD, recopilación o disco de remixes, rarezas o conciertos, los cuales se cuentan por decenas. Y, sin embargo, no se le puede acusar de prostituirse.
Ahora mismo podría ser la reina del dance global, pero como sus pretensiones son mayores, le cede ese papel a gente como Kylie Minogue mientras ella explora caminos más insospechados, como el de su quinto álbum Medúlla; un trabajo comercialmente más arriesgado y la continuación lógica de su anterior CD Vespertine, en el que ya coqueteaba más con los lenguajes de la música contemporánea, la electrónica experimental y las tradiciones vocales nórdicas que con la estética de la música pop.
Inspirada quizá en la experiencia de una nueva maternidad, esta fémina de caprichos propios decidió guardar en su estuche los instrumentos y trabajar en una obra que tuviera la voz como elemento principal, lo cual no significa que estemos frente a un disco vocal o una cátedra de los alcances que tiene la voz como instrumento sonoro, sino frente a una creación que refleja las inquietudes actuales de esta mujer tan poco apegada al dogma.




Medúlla está compuesto en su mayoría por capas de voces pristinas, delicadas, desgarradoras o eróticas, arregladas en armonías y disonancias que se convierten en rituales que confirman la intención de llegar a rincones más hondos del ser, como sugiere el título del disco. De los temas de corte intimista, como "Show Me Forgiveness" (compuesto durante el rodaje de Dancer in the Dark) o la canción de cuna "Vökuró" (con la voz de Jórunn Vidar y el acompañamiento del Icelandic Chord), a los más extrovertidos, como "The Triumph of the Heart" y "Who Is It" (con la colaboración de Matmos en las programaciones), este álbum está plagado de matices, sensaciones aurales y experimentaciones con los timbres y los arreglos vocales.

El complemento son las bases rítmicas, cortesía de maestros del beatbox como Rahzel, de The Rotos (en “Where Is the Line”) y Tagaq, además de las programaciones electrónicas del fiel escudero Mark Bell, que en conjunto con lo ya descrito hacen obligatoria la escucha con audífonos, porque hasta el arte gráfico, creado por Innez y Vinnodth, sugiere el acercamiento físico en aras de un mayor entendimiento.
Brillante y desafiante, este disco –que además gana con las escuchas– tiene también dulces momentos, como el dúo con Robert Wyatt en "Submarine"; el agradable parloteo del japonés Dokaka, que se funde con los beats en "Triumph of a Heart" y el final de "The Pleasure Is All Mine" (en la que participa Mike Patton, otro experto en el arte de los sonidos guturales), con un suspiro contenido que se repite en el canal izquierdo mientras en el derecho se contrapone un lamento que le da al corte un sentimiento de ambivalencia; aunque quizá la canción más accesible (si es que aquí vale el término) sea "Oceania", que fue escrita por Björk junto el poeta islandés Sjón Sugurdsson para los Juegos Olímpicos de Atenas 2004.
Tenemos aquí un disco cálido, entrañable y profundo en su énfasis de llegar al punto más primitivo, aunque quizá no sea la mejor opción para acercarse a Björk si nunca antes lo habías intentado, porque no encontrarás ningún "Its oh so Quiet" o "Human Behaviour". Sin duda, en las tiendas de discos tendrán problemas para colocar este disco en el estante adecuado.

Björk. Medúlla. Universal, 2004.
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[[NoWoRt]]

Aqui va una colaboraciòn para tu seccion

Esta es una entrevista con th€ cur€ espero les agrade







En 1999, se publicó "Bloodflowers" el último álbum de The Cure, ¿llegaste a pensar realmente que The Cure se habían acabado? si es así, ¿por qué?
Robert
Cuado estábamos haciendo "Bloodflowers" en 1999, les decía a todos los que me rodeaban una y otra vez, que aquello era lo último que yo iba a hacer con The Cure en un estudio. Y por una razón: porque ese era el último trabajo que teníamos entre manos por entonces.

Hemos estado con la misma compañía durante más de veinte años y eso se iba a terminar. Yo tenía en mente hacer otra cosa, hacer una película, que era algo así como completar mi proyecto con The Cure. Así que yo estaba decidido a terminar porque siempre me había prometido a mí mismo que llegaría a los cuarenta y empezaría a hacer algo diferente. Eso era lo que lo que yo me proponía. Y todo marchaba según lo previsto excepto por una cosa, que yo no quería que terminara. Esa era la pega de mi plan. No había tenido en cuenta cómo me sentiría. De modo que hicimos la trilogía de películas para los tres discos, que se editaron un par de años después e hicimos "The Greatest Hits" en ese mismo período también. Así que siempre ha estado ocurriendo algo. Y yo seguía tratando con la misma compañía discográfica, el mismo sello y la misma gente porque Universal remasterizó ó intentó remasterizar el back catalogue y volver a publicarlo y yo estaba muy implicado con ello -y lo sigo estando-. Había además una caja de cuatro CDs que recopilar y un booklet de setenta páginas que escribir. Y así, permanecía en constante trabajo con material de The Cure.

Yo estaba inmerso en otros proyectos con otra gente. Hice varias colaboraciones en ese período. Estaba preparándome para introducirme en un nuevo mundo. Pero nunca lo hice del todo. Estaba demasiado imbuido por el mundo de The Cure. No sé, me gusta (risas). No sé. Creo que es la presión de fuera. La gente que me dice cosas como, tienes cuarenta y cinco años y ¿sigues haciendo esto?, y pienso, sí, todavía me gusta seguir haciéndolo. A veces creo que me pasa algo, sabes, que debería estar haciendo algo más adulto. Pero honestamente no creo que haya algo que pudiera hacer que no sea esto. Así que sigo haciéndolo, imagino que demuestra una falta de imaginación o que significa simplemente que me encuentro muy pero que muy feliz con mi trabajo, ¿no? ó ambas cosas a la vez.

Al fin terminaste trabajando con Ross Robinson. ¿Puedes hablarnos de como surgió? ¿Y qué pensaste al principio sobre el hecho de trabajar con un productor de "nu-metal"?
Robert
El nombre de Ross Robinson captó mi atención por primera vez justo después del lanzamiento de "Bloodflowers", yo sólo conocía vagamente su nombre porque había comprado el primer álbum de Korn, de modo que había visto su nombre escrito en el disco pero nada más. No sabía realmente quién era.

Leí un artículo sobre él y descubrí que era un artículo interesante. Era una entrevista con él en la que decía cómo trabajaba y lo que decía me gustó, ¿sabes? Que sentía un enorme placer al romper la voluntad de la gente y luego, destruir sus vidas, me pareció algo así como el sonido último, ¿sabes? Y pensé ese es el hombre que necesitaba, alguien así de loco y obsesionado por la música. Y no lo pensé mucho. Luego leí una lista de lo que él consideraba sus mejores trabajos. Y pensé, bien, los compraré y los escucharé porque será interesante ver si encaja con lo que ha dicho. Y al final se le preguntaba qué le gustaría hacer y él contestaba que honestamente le encantaría hacer un disco de The Cure. Y yo pensé, ¿qué? De modo que lo pensé durante un tiempo y luego me puse en contacto con él y le dije simplemente, ¿estarías interesado en reunirnos para hablar? Y al día siguiente ya estaba allí. (Risas)

De modo que me di cuenta que iba en serio. Luego vino a vernos tocar, y ya sabes, como ocurre con todo, nos tomamos un tiempo para conocernos el uno al otro, porque obviamente él tenía prejuicios y yo también. Y me di cuenta de que si íbamos a hacer un disco juntos, que él era un productor y nosotros no habíamos trabajado con un productor desde nuestro primer álbum y yo estaba muy pero que muy desacostumbrado a cualquier tipo de control. No veía por qué debería confiar en alguien que no conocía, era impensable. Así que tuve que pasar un período de tiempo asegurándome que él entendía lo que yo quería, ya sabes. Tenía que ser así si íbamos a hacer un álbum juntos con el que ambos nos sintiéramos contentos, y también la banda, porque somos cinco los que hacemos el disco.

Así que fue un largo proceso, o sea, desde que le conocimos hasta que nos metimos en el estudio pasaron dieciocho meses, lo cual le frustró a él enormemente porque estaba acostumbrado a trabajar con bandas en su primer o segundo álbum y a partir de ahí seguir su criterio. De modo que creo que aprendió una lección (risas). Aprendió a tener paciencia. Además entró en el estudio, en lo que era el proyecto, con una forma de pensar ligeramente diferente a la que había tenido jamás, porque es casi diez años más joven que yo y se puede decir que ha crecido escuchando a The Cure, así que tenía que diferir en alguna forma. Él tenía que saber que yo sabía lo que hacía. Aunque no llegué tan lejos como suelo hacer cuando estoy en el estudio para poder darle espacio para que él hiciera lo que hace. Así que nos encontramos en un punto medio.

Y a medida que el álbum progresaba empezamos a desarrollar un modo de trabajo, una metodología que parecía gustarnos a ambos y también a la banda. Pero fue una experiencia extraña porque por un lado fue lo más difícil que he hecho en un estudio. Fue la experiencia más cruda, emotiva e intensa que he sentido jamás en el estudio. Y por otra parte, fue la más entretenida. O sea, estaba más triste al dejar por fin el estudio de lo que había estado jamás. Normalmente cuando dejo el estudio me siento exhausto, dubitativo sobre lo que acabamos de hacer, como arrepentido. Pero nunca me he sentido literalmente triste y ese día lo estaba. Me sentía como si todo hubiera sido demasiado rápido. Fueron como seis semanas verdaderamente intensas. Me quedé en Londres, en una habitación de hotel solo, igual que hizo Ross, porque pensé que si él estaba preparado para hacerlo y dejarlo todo, su familia y sus amigos, yo también debía hacer lo mismo. De modo que en esencia el mundo entero se reducía a una habitación de hotel y al estudio. Fueron seis semanas verdaderamente extrañas, muy poco saludables en ciertos aspectos, pero intensas, como un período de mi vida en el que empezamos un día con nada y terminamos al final de seis semanas con un disco que creo que es lo mejor y lo más apasionado que hemos hecho jamás.

Bueno, él quiere hacer otro disco tan pronto como sea posible, y yo también, pero no estoy seguro si podremos recrearlo. Pienso que ninguno de nosotros estaba preparado para pasar por lo que él quería que hiciéramos al hacer este disco. Así que creo que si pudimos entonces, podremos hacerlo de nuevo, todos estaríamos más a la defensiva y todo sería más dinámico, ya sabemos los trucos. Pero él manipula a la gente de una forma muy inteligente en el estudio sin que ellos se den cuenta. De hecho, ahí estaba yo en acción observando el trabajo de Ross, (risas), aunque él lo hace de una forma mucho más benigna que yo , él aguanta mucho más que yo. Yo empiezo a gritarle a la gente mucho antes de lo que lo hace él. Y además él es conocido por ser un incansable maestro. Pero creo que debe trabajar con gente que no le gusta trabajar mucho, básicamente porque eso es lo que quiere conseguir de la gente. Quiere que lo des todo y nada más. Es así de fácil. Además no necesita dormir mucho, yo tampoco lo necesito cuando estoy en el estudio. Tiendo a no necesitar dormir mucho. Me resultó un tiempo de lo más alegre, si bien odiaría irme de vacaciones con Ross. (Risas)

Ross Robinson parece haber aportado una especial intensidad a las sesiones (el bajista Simon Gallup dijo al principio que quería partirle los dientes a Robinson). ¿Puedes describir la experiencia de grabar con él y hablar sobre el impacto que eso tuvo en el álbum?
Ross es un productor al estilo de la vieja escuela, pues es muy meticuloso sobre cada una de las facetas de todo lo que hacemos. Por lo tanto cuando nos disponíamos a tocar una canción era como si lo hiciéramos por primera vez, ya no teníamos que repetirla, podíamos marcharnos. Teníamos la canción acabada. No existe la post-producción. Todos está hecho antes de que realmente llegues a tocar la primera nota. Él coge la guitarra, quiero decir que se pasa una hora comprobando el sonido de mi guitarra, yendo de la A a la Z y luego vuelve a la A de nuevo. Hubo momentos en que pensé, Oh Dios mí, vamos, vamos, vamos, es tarde, sabes. Tengo prisa, prisa, prisa. Eres demasiado lento, tardas una eternidad en disponer las cosas. Pero, conseguía integrar cada sonido, empezando por el bajo y la batería, hasta llegar a mi voz, así que cuando decíamos, eso es, al final del día él había alcanzado el nivel deseado, habíamos tocado la canción y él decía, ¡eso es! Entrábamos y la escuchábamos y ya está. O sea, que el álbum no fue mezclado porque lo grabamos entero en la sala de control. Así se hizo este disco. Pero fue divertido porque bromeábamos diciendo cosas como, Oh, suena realmente como un disco. Porque normalmente cuando grabas, no es así. Suena horrible casi todo el tiempo. Tienes que pasar días y semanas a veces, para conseguir terminarlo. Es decir que este álbum se mezcló en tres días, veinte canciones mezcladas en tres días. Absolutamente sorprendente, de verdad, eso no suele suceder normalmente.

¿Puedes hablarnos sobre los temas de este álbum?
Robert
Hay temas recurrentes en este álbum. Me he centrado en los mismos temas universales del paso del tiempo, el amor perdido, no sé, la propia conciencia. ¿Qué otra cosas hay? La verdad, la bondad y la belleza; eso es algo nuevo que ha surgido. Leí un libro de un escritor, era un filósofo llamado Thomas Nagle, un filósofo moderno, y el libro se titula The View From Nowhere, un título que pensaba robar, ese iba a ser el nombre de este disco porque creo que es un título fantástico. Pero supongo que el hecho de que ya se haya utilizado para su libro significa que el escritor sabe que es un título fantástico.

Aparte de eso, la idea de The View From Nowhere era el concepto de salir de ti mismo. Y para hacerlo tenías que reconocer en primer lugar quién eras. Es un libro pequeño pero intenso, y desde luego me cautivó. Fue la inspiración bajo la cual cantamos en el disco. Realmente quería que las letras del disco consiguieran que fuera un disco con peso. Intenté de verdad colocar estos enormes temas dentro de canciones muy pequeñas y concisas y fallé la mayoría de las veces. Hay sólo una o dos que lo consiguen.

En "Bloodflowers" había una canción titulada "Where The Birds Always Sing" que es probablemente la canción menos satisfactoria del disco. Desde un punto de vista lírico, creo que es una de las mejores canciones que he escrito nunca, pero como canción, creo que es la peor del disco . A menudo si lo intentas y cantas palabras que contienen un gran significado y conllevan mucho peso, no consigue transmitir lo que deseas. A veces tienes que sacrificar una cierta cantidad de significado para ganar poéticamente. Ya sé, suena como... Es verdad no puedes cantar ciertas palabras. Y por eso, es como si mi vocabulario como cantante estuviera limitado a las palabras con las que me siento más cómodo al cantar y desde luego puedo transmitir mucho más cantando esas palabras que me hacen sentir más cómodo, que si tuviera que cantar un torrente de otras palabras diferentes con las que no me siento igual de cómodo.

De modo que tenía grandes planes para el contenido lírico del disco y espero que parte de esa profundidad que quería transmitir, haya permanecido intacta. Pero la mayoría se ha cortado, sabes, además me prometí a mí mismo que no intentaría rimar todo, porque volviendo a mirar todo lo que he hecho hasta ahora, me doy cuenta que he rimado todo excepto en el disco "Pornography". Pensé que sería realmente interesante ver si no me inhibo a mí mismo y no me preocupa la métrica y las rimas. Acabé teniendo trozos de canciones, sabes, así que tuve que desechar la idea. Al final me incliné por una forma más convencional de escribir las canciones, lo cual, espero, conlleva una carga emocional extra. Y creo que la parte más importante del proceso es cuando cantaba las canciones porque por primera vez, tenía las canciones escritas antes de grabarlas. O sea, normalmente escribo las canciones después de haber grabado -escribo la letra después de grabar la música, o les doy forma y me preocupo de cómo lo voy a hacer. Y luego o bien lo volvemos a grabar para que quede bien o lo cortamos.

En los viejos tiempos, cortábamos la cita o algo así. Pero Ross fue muy insistente para que yo cantara en directo y quería que la batería y el bajo siguieran la señal de mi voz, así que yo tenía que saber qué estaba cantando, lo cual era muy bueno para mí porque pasé un mes terminando y perfilando veinte canciones. Eso fue todo lo que hice durante un mes, cada día, me ponía a escribir, sabes, fue un ejercicio muy bueno para mí, una buena forma de trabajar. De nuevo, algo de lo que no estoy seguro que pueda hacer para el próximo disco, pero cuando entraba en el estudio podía cantar desde el mismo momento en que nos poníamos a tocar, empezaba a pensar en cómo podría comunicar la canción. Así que la canción entera estaba basada en la letra, lo cual, creo, que queda claro al escucharlas. Creo que las canciones son más coherentes que cualquiera de nuestros trabajos anteriores.

¿Por qué el álbum se llama "The Cure"?
Robert
No solía preocuparme por robar títulos de otra gente. De hecho, la mayoría de los primeros trabajos de The Cure han tomado prestados sus títulos. Creo que cada título de "Seventeen Seconds" es una pequeña historia de Kafka. Pero entonces nosotros no éramos nadie así que no pensé que nadie se molestara en demandarnos, sin embargo ahora tenemos que tener más cuidado. El primer título que pensamos para el proyecto el pasado verano cuando empezamos a hacer las demos era "Good Dream, Bad Dream". Y yo quería hacer un álbum doble, uno que reflejara nuestra parte más ligera y otro con la parte más oscura. Pero Ross me convenció que si compaginábamos ambas partes, probablemente el resultado fuera mejor, sería un disco mejor y le llegaría más a la gente porque se sentirían más intrigados. Él quería hacer el álbum definitivo de The Cure. Yo dije, bueno si lo haces, tienes que llamarle "The Cure". Ese fue realmente el motivo del título del disco.

Yo me pasaba el tiempo pensando, estaba metido en la sala de control y seguía pensando, este álbum se llama "The Cure". Recuérdalo. Y pensé en algún momento hacia el final, voy a tener que ponerme a pensar en títulos. Tengo un viejo libro, un manuscrito, en el que escribo títulos. Cuando se me ocurre una palabra o una frase y creo que puede ser un buen título, la anoto. Luego lo consulto y no hay nada que me sirva. Eso fue lo que hice esta vez, así que tuve que seguir pensando cómo llamarlo. Justo hasta que estábamos masterizando el disco, estuve pensando, cómo demonios voy a llamar a este disco, y entonces pensé obviamente tiene que llamarse "The Cure".

Así que es ligeramente sorprendente, supongo, que en esta etapa de nuestra carrera de repente titulemos un disco "The Cure". Blink 182 lo han hecho, en su cuarto disco, han titulado su disco "Blink". Quizás saqué la idea de algo subliminal. Gracias a ellos. Tradicionalmente las bandas titulan así su primer trabajo, tal vez porque es el que refleja el espíritu de la propia banda, quizás a nosotros no ocurra algo así. A menudo el momento más difícil de evaluar tu trabajo es justo al acabarlo, y espero que nuestro trabajo sea un resumen de nuestro esfuerzo, de todo lo que hemos hecho. Creo que este disco lo resume bien. Creo que si le pones el disco a alguien y le dices, esto que vas a escuchar es The Cure en esencia, es lo más acertado, porque desde luego lo que van a escuchar es a la banda.

El diseño de la cubierta y el interior del disco se compone por diferentes dibujos infantiles. ¿Cuál es el significado de ello? ¿Y quién los hizo?
Robert
Sí. El diseño de la cubierta, tal como aparece, lo hicieron mis sobrinos y sobrinas a los cuales se lo pedí yo, les sugería que hicieran algunos dibujos para la portada del disco. La mitad de ellos no tenía ni idea de lo que les estaba hablando (risas) porque ellos no saben lo que yo hago. Y la otra mitad se preguntaba cuánto les iba a pagar. Pero son los mejores artistas, se enfrentaron al trabajo de maravilla. Y me enviaron, mientras estábamos grabando, un montón de sobres con dibujos dentro y yo los pegué en las paredes del estudio para que todos decidiéramos. Fue divertido porque era una sesión a puerta cerrada, nunca había nadie ajeno allí. No tenía ni idea qué les iba a parecer, pero los personajes que dibujaron y los pequeños mundos en los que habitan en sus sueños y en sus mentes, igual que todos los dibujos infantiles, creo que tienen un enorme sentido de la inmediatez y creo que es imposible que a alguien no le gusten los dibujos de los niños, incluso aunque no conozcas al niño que los ha hecho.

Inevitablemente te provocan algo porque todos lo hemos hecho también cuando éramos niños. Todos hemos hecho dibujos de ese tipo, todos hemos pintado un cielo como una línea azul, todos hemos pintado la hierba como una línea verde, y todos hemos dibujado manos como un círculo con cinco palos. Provoca algo en nosotros que es por lo que yo me sentí tan bien, esa inmediatez fue lo que me cautivó.

Y desechamos todas las otras ideas que tuvimos mientras estábamos en el estudio, algunas de ellas verdaderamente buenas, porque todos habíamos imaginado algo ya que yo les había dicho que iba a ser un álbum duro. Nos mandaron mucho trabajo de diseño para el disco, era realmente dantesco, muy oscuro. Pero no tenía la suficiente resonancia, no nos hacía sentir nada. Y yo pensaba que los personajes que habían dibujado los niños tenían una ventaja, el estar colgados en la pared. Porque estuvimos viviendo con ellos durante mucho tiempo. Creo que tan pronto como los pusimos en la pared, iban a tener su sitio en el álbum, sabes. Ese era el diseño del disco. No había manera de hacerme cambiar de opinión.

Creo que es bueno, creo que tiene buen aspecto, no se parece a nada de lo que hemos hecho hasta ahora. Quiero decir, que tiene ligeramente una reminiscencia de un par de portadas de nuestros discos pero, no sé, en los días de los vinilos de doce pulgadas, el diseño era enormemente importante. Pensabas, Uh, esta portada es excelente, ahora creo que tiene menos importancia que antes, lo cual es una pena, pero, los Cds no producen un impacto igual, son pequeños objetos, sabes, aunque nosotros vamos a lanzar este álbum también en doble vinilo. Así que habrá un excelente trabajo de diseño.

En los últimos años, más y más bandas han reconocido su deuda con vosotros (desde Mogwai y los Deftones pasando por Interpol y The Rapture). ¿Cómo te sientes? ¿Y qué te parecen los grupos mencionados?
Robert
Siempre nos han elogiado, siempre hemos sido elogiados por otros artistas, quiero decir, que incluso las raras ocasiones en las que la gente ha dicho que les gustábamos y a mi no me gustan ellos, no digo nada. Creo que he madurado para admirar a cualquiera que pueda hacer algo. Pienso que cuando era más joven y me sentía más amenazado por, ya sabes, la gente que yo percibía como competidores, yo me sentía menos capaz de que me gustara lo que otros hacían. O sea, ahora incluso si alguien hace algo que realmente odio, al menos creo que hacen algo. Así que admiro el hecho de que puedan al menos hacer algo. Cuando hay bandas que realmente me encantan llego a comprar sus discos y luego descubro que a ellos les gustamos nosotros, es una sensación estupenda, sabes. Creo que eso no le da validez a lo que hacemos pero sin embargo le da más importancia a lo que hago y creo que podemos inspirar el trabajo de otros. Es algo fantástico.

¿Ahora continuarán The Cure para siempre, como The Rolling Stones?
Robert
Hablar sobre hacer otro disco es forzar un poco las cosas, sobre todo cuando éste no ha salido aún, ¿no?. Dios, ¿Por qué no puedo ser moderado? Esto es lo ultimo que haré. O tal vez haré al menos otros diez. No tengo ni idea, de verdad. He aprendido, por la amarga experiencia, que hacer planes es una pérdida de tiempo, porque raramente se llevan a cabo e incluso cuando se realizan, no son como se planearon. De modo que estoy deseando hacer los conciertos este verano. Lo deseo de verdad más de lo que he deseado tocar en directo durante mucho, mucho tiempo. Más allá de eso, después del otoño tal vez daremos algunos conciertos en Europa, no tengo ni idea. Quiero decir, que Ross y la banda están desesperados por volver al estudio a hacer una segunda parte, sí ese es el título, "The Cure: Volume Two". (Risas) Pero ya sabes, cuando las hojas empiecen a caer de lo árboles, puede que piense de forma diferente sobre lo que he hecho este año. De modo, que puede que quiera intentar algo nuevo. No lo sé. Pero, sí, por primera vez en mucho tiempo, no descarto la idea de otro disco de The Cure muy pronto después de éste.


FIN (lahiguera)

hola!!

antes que nada gracias DARKI por tu colaboracion .

y cambiando de tema les dejo este reportaje, espero les guste......

-----El idiota americano-----




Este nuevo álbum del trío punketo formado por Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool no modifica en nada el estilo de Green Day o de sus discos anteriores: ni las letras corrosivas, irónicas y divertidas ni el ritmo vertiginoso en la guitarra de Armstrong o la furia redomada en los tambores de Tré Cool ni la amenazadora calma del bajo de Mike Dirnt ni, mucho menos, el concepto diseñado para inyectar adrenalina o anestesia contemplativa, porque el Green Day Presents American Idiot fue grabado con el único propósito de preservar la tradición acústica de esta banda a la que, de hecho, sus seguidores no le perdonarían cambiar nada del ritmo o de sus rolas e, incluso, de sí mismos.
Trece tracks conforman el disco. Dos de éstos, “Jesus of Suburbia” y “Homecoming”, divididos en cinco capítulos, en los cuales Billie Joe Armstrong suelta los temibles hilos del aburrimiento cotidiano para no perder las coordenadas de una producción piromaniaca.
“Jesus of Suburbia” (con I. Jesus of Suburbia, II. City of the Damned, III. I Don’t Care, IV. Dearly Beloved y V. Tales of Another Broken Home) remueve las fibras auditivas que dejó el primer sencillo para lanzarse sobre “Holiday”, una rola hiperkinética que aspira a disolver el temperamento de una rutina en blanco y negro.
“Boulevard of Broken Dreams”, track 4, es la zona de tolerancia a los tambores de Tré Cool y, a partir de ahora, el síncope cardíaco será la definición total del disco: “Are We Waiting”, “St. Jimmy”, “Give Me Novocaine” (como en aquella rola de Eels) y “She’s a Rebel” preludiarán el sueño de otros mundos y otras esencias, que Green Day apunta en “Extraordinary Girl”, la rola 9, una persuasiva, intensa y nubosa canción de amor a la que Armstrong le pone tanto feeling que hasta llega a oírse como John Lennon.

“Letterbomb”, como su nombre lo dice, es un corte breve pero explosivo, que saca chispas, y después viene “Wake Me Up when September Ends”, alusión a los recuerdos fúnebres de Nueva York.
“Homecoming”, el otro pentálogo del disco, nos cuenta: I. The Death of St. Jimmy, II. East 12th St., III. Nobody Likes You, IV. Rock and Roll Girlfriend y V. We’re Coming Home Again, básicamente fotos anecdóticas de un álbum de familia, donde los personajes se borran o resurgen constantemente, porque la garganta de Billie Joe Armstrong se empeña en dibujar un mapa de emociones espectrales.
Finalmente, “Whatsername” cierra con la misma vibra y la potencia de todos los discos de la banda, sean Dookie, Insomniac o Warning: –por mencionar algunos–, ya que, debemos repetirlo, los fans de Green Day no querrán escuchar algo diferente. Producido por Rob Cavallo, Green Day Presents American Idiot cuenta con texturas líricas adicionales, como el saxofón de Jason Feese y el piano del propio Cavallo, más el sublime coro de Kathleen Hanna que en “Letterbomb” eleva la irreverencia hasta las nubes…

Green Day, Green Day Presents American Idiot. Reprise Records, 2004

att.
N W RT
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hola!!!!

les traigo una entrevista algo vieja, pero interesante y mas para los fans de ALEKS SYNTEK asi que mejor los dejo con ella.....

Aleks Syntek:

La frescura se deja sentir desde “Tiempos de paz”, utopía que desde el primer momento intenta brindar cierta luz a un panorama general muy obscuro.
“Duele el amor” es un dueto a lado de la particular voz de Ana Torroja, una sensibilidad sumamente electroacústica; esto tendría que ser un sencillo muy pronto… y –más allá de que el mismo Syntek no quiere que se catalogue como un disco de duetos–otro par de colaboraciones: una con Soraya y una con Benny. Este álbum en general brinda una atmósfera hasta cierto punto más orgánica que el conocido material anterior de Syntek.
Las letras resultan sumamente pulidas sin rebuscarse entre laberintos y puede palparse como la suma de experiencia de años dando como resultado el disco que el artista quería hacer, justamente.
“Te soñé” es la balada desgarradora que no podía faltar. Si se desea algo de experimentación, “Alguno de estos días” brinda un ritmo rumbero lleno de guitarras acústicas y voces tribales con una guitarra eléctrica apuntalando pasajes clave, mientras que en “A veces fui”, aparecen los derroches de energía. “Hombre de fe” cierra el disco de una manera sincera, seria, estableciendo un compromiso consigo mismo.



Tuvimos la oportunidad de charlar con Aleks respecto a este nuevo álbum:

El disco está listo desde finales del 2003, ¿por qué no aprovechaste esa época del año para lanzarlo y captar ventas navideñas?

Había varios lanzamientos para esa época, me pareció que era demasiado ruido, muy saturado de discos, eventos. Decidí que sería mejor ya entrado el año y que fuera agarrando fuerza conforme el 2004 avanzaba; además, por cambios en la disquera siento que es mejor momento ahora, por eso quise esperarme.


¿Cómo trabajas en cuestión de maduración de canciones? ¿Les das tiempo para irse transformando, las grabas de inmediato como van surgiendo? ¿Qué tanto experimentas en el estudio?

Cuando estoy componiendo lo hago ya con arreglos. Igual me he tardado de dos a tres años. Cuando presento demos a la disquera ya son cosas bastante aproximadas al resultado final. Cuando estoy haciendo el disco paso mis demos a los músicos, sacan sus partes tal como cada arreglo que hice yo en la computadora; si se me ocurren ideas las hago ahí mismo, pero los arreglos ya están. Las rolas pueden estarse cocinando durante años. Para las cuerdas en este disco invitamos a Eugenio Toussaint, a quien respeto muchísimo; también invité co-productores en algunos temas: Aureo Baqueiro y también a Armando Ávila. Quería destellos diferentes en este disco y por eso compuse mucho en guitarra; quería recordar a la gente que soy compositor, hacer cosas emocionales que peguen fuerte, es un disco más serio.


¿Qué tanto permites libertad a tus músicos en el estudio cuando proponen una idea para un arreglo? ¿O eres muy estricto al respecto?

Los arreglos que hago son obligados. Pero a la hora de ejectuar obviamente los músicos expresan su ejecución y salen cosas de ellos, siempre hay una aportación.


¿No te sucede como a otros músicos que después de que sale el disco y empiezas a tocarlo en vivo modificas las canciones, de manera que acabas deseando haber grabado el álbum hasta después de estas modificaciones?

Cuando estás en vivo se te van ocurriendo ideas tal vez mejores que las originales y, siempre tienes la oportunidad de tocar un disco en vivo donde puedes lucir esos detallitos. El único patrón que tiene este disco es que hay canciones que expresan emociones, es espiritual mas no optimista, trato de ver las cosas de una manera muy real, como son.

Aleks Syntek. Mundo Lite. EMI, 2004.

att.
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bueno como no supe donde poner esto, lo puse en la seccion mas vacia , espero les guste

Los grandes hablan: Usher y Maroon 5 reflexionan sobre su éxito



Usher se pasó el 2004 viendo cómo su álbum Confessions se vendió en 7 millones de oportunidades solamente en Estados Unidos. Le preguntamos qué se siente ser unos de los artistas más importantes del año en el mundo entero y esto fue lo que nos dijo:

"No me imaginaba que el disco vendería 1.4 millones de copias en la primera semana. No me imaginaba que iba a romper tantos récords radiales. No me imaginaba que iba a tener tantos éxitos número 1. No me imaginaba que los videos iban a generar la reacción que generaron. No me imaginaba que iba a estar por todo el mundo. No me imaginaba que me iba a ver envuelto en lo que considero un tornado mundial de puro éxito."

Increíblemente, Usher sigue en el número 1 en Billboard junto a Alicia Keys gracias a su canción "My Boo".

Por su parte, Adam Levine, cantante de Maroon 5, dijo esto cuando le preguntamos qué se sentía ser la banda nueva número 1 del mundo:

"No quiero sonar como un rock star engreído pero, ¡esta vida es una locura!". Luego de una exhaustiva gira por Europa, Australia y Hong Kong, y regresar a los Estados Unidos para una serie de apariciones en televisión y radio, Levine confiesa haber encontrado varios métodos para seguir de pie: "Soy un esclavo de la cafeína. Además, tenemos suerte de poder viajar con una masajista."

Nada mal. También prometió que apenas entre el 2005, "Me voy a Hawai y no vuelvo más."


att.
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Pues k bien por ellos, no?

Ami en lo particular, me gustaron las rolas de Usher y Maroon 5... esperemos y k el proximo sea bueno...



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hola!!

aqui les dejo esta MICRO entrevista de julieta venegas....

Julieta Venegas feliz por cierre exitoso en 2004




Julieta Venegas vivió en este 2004 un gran año de éxitos, pues nunca antes había ganado tantos reconocimientos como en esta ocasión, además de recibir una candidatura de los Grammy que se entregarán en febrero de 2005.

"Esto me tiene muy contenta porque es como el cierre del año, es el bono plus extra porque nunca había tenido tantos premios como en este año", indicó anoche la cantante a la prensa.

Venegas aseguró que cada uno de los premios significa algo y le ayudan a abrirle las puertas a su carrera, pero no son su máxima aspiración en la vida.

Julieta Venegas es candidata para recibir el Grammy al Mejor Album de Rock/Alternativo (en español) en el que compiten el colombiano Juanes, la mexicana Alejandra Guzmán y el dueto Akwid, además del grupo Ozomatli.

Aunque el álbum "Sí" le ha traído a Venegas un éxito inesperado y la ha consolidado como una de las cantantes y compositoras más importantes del rock pop de los últimos años en México, la artista no está dispuesta a repetirse.

"Sí me ha traído mucho éxito, estoy encantada, pero mi siguiente álbum no será lo mismo, tengo que pensar otra cosa, darle al público algo diferente, algo nuevo", expresó.

La cantante señaló que en esta carrera no hay fórmulas, pero no está preocupada en ser la máxima vendedora de discos, sólo en hacer lo que le gusta, siempre innovando y creciendo.

"Lo mío es dejar mi marca personal y hacer algo que simbolice mi camino, si hago cosas que no me nacen, entonces no tendrán importancia", aclaró.

En este año, Julieta Venegas se ha hecho merecedora de tres Musas en los Premios Oye de México, Mejor Album del Año, Mejor Canción del Año y Mejor Artista de Rock Latino.

En los MTV Latinos consiguió el título de Mejor Artista del Año, Mejor Solista y Mejor Solista de México. EFE

att.
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HOLA!!!

dentro de un par de dias colocare una entrevista que se le hizo a ELY GUERRA y es que me voy a tardar ese tiempo por que esta en una revista y es largisiimaaaa pero se las pondre, se los juro .

att.
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me voy a tardar un poquito mas pero les juro que si se las voy a poner....

PROXIMAMENTE ----ELY GUERRA---

att.
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hola!!

les voy a ser sincero, me dio hueva transcribir la entrevista, asi que por el momento no hay fecha definida para esta (capaz y el año que entra), pero para compensarlos les dejo este reportaje, espero les guste....

Catarsis contenida...

El año 1996 fue para la música una época de incertidumbre, tras el luto del grunge y las aún inciertas rutas que tomaría la música electrónica. Justo en ese momento aparece (discográficamente) en Gran Bretaña un trío con nada en sus manos mas que un puñado de canciones llenas de los más diversos estados de ánimo y la voluntad para cantarlas. Más allá de tener muy claras sus influencias dentro del rock y el pop, ni ellos quisieron ni la inercia los obligó a abanderar ningún movimiento, como por ejemplo acontece actualmente con todas las bandas que retoman sonoridades ochentosas para reclamar su puesto en listas de popularidad (sin poner en duda su calidad).




De este álbum se desprende la electricidad e intensidad de temas como “Teenage Angst”, “36 Degrees”, “Nancy Boy” y “Bruise Pristine”. La siempre aguda prensa británica (recordemos que desde finales de los ochenta la NME cada semana coronaba a una banda de extracción indie como “los nuevos Smiths”) los convirtió en sus favoritos, trono al que a la fecha no han abdicado. Tras un cambio de baterista (brillante decisión) captan sin proponérselo la atención de uno de los ‘padrinos’ más buscados: David Bowie, quien los invita a tocar en su cumpleaños (el 50). Más allá del cobijo del camaleónico duque delgado y blanco, la música de este grupo tomaría al mundo especializado por sorpresa, pues la explosión prosiguió con Without You I’m Nothing a finales de 1998, cuando un tema que originalmente se destinaría a un lado B gana el capricho y simpatía de la disquera y ataca los canales de videos: “Pure Morning”, cargado de referencias femeninas (muy acorde con la iconografía andrógina de Brian Molko). Ausente hoy día de su set en vivo, llega poco después “You Don’t Care About Us” y la trepidante “Every You Every Me”, la desgarradora balada que titulaba al disco. Este segundo esfuerzo demostró la diversidad de la que Placebo es capaz.

El tercer intento era ir por todas las canicas. Para muchos, Black Market Music y esfuerzos subsecuentes han tenido sólo la intención de asentarse en una muy sólida y efectiva fórmula del éxito, pero los mismos sencillos demostraron que se trataba de enriquecer con variedad, de emparentar la electroacusticidad con las secuencias. “Taste in Men” fue el aperitivo para iniciados, “Slave to the Wage” fue renovando el significado no-pugilístico en cuanto a lo que “un buen gancho” se refiere, para finalmente desatar la locura capaz de llenar arenas en “Special K”.
Un par de años después, la madurez aprende a conducir la nave que entrega Sleeping with Ghosts, grabaciones que sintetizan y canalizan la energía del grupo debidamente, ya sea en un tema lleno de guitarras a exceso de velocidad (“The Bitter End”) o una tierna balada con dejo de perversión (“Special Needs”) así como el pop puro de “This Picture”.
Once More With Feeling: Singles 1996 – 2004, el ultimo disco que Placebo lanza este años (además del Sleeping with Ghosts y la edición doble del mismo con un disco de covers), aparece en tres versiones: un disco sencillo que tiene como plus los nuevos temas “I Do” y “Twenty Years”; el doble que trae un disco de remixes antes sólo disponibles en sencillos, y el DVD.
Quien es fan, seguramente correrá por el álbum doble y/o el DVD, pero quien no los conozca bien encontrará en la versión sencillo una magnífica introducción a la trayectoria de esta banda.



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holass!!!
aqui les dejo esto sobre el nuevo material de la ley...

HISTORIAS E HISTERIA

Beto Cuevas, Mauricio Clavería y Pedro Frugone estrenan su recopilación de grandes éxitos denominada Historias e histeria, un material doble que junta no sólo sus sencillos, sino además todos sus videoclips en un DVD adicional. Este material celebra, además, los quince años que el grupo lleva junto, rompiendo barreras, obstáculos e infinidad de récords. Por esto y más, los tenemos en Círculo Mixup esculcando el baúl de sus memorias y recordando la historia detrás de cada uno de sus discos y canciones. Comienza el viaje junto con nosotros…



“Doble opuesto”
Mauricio: Esta canción reafirmó mucho la idea que yo tenía sobre el grupo, de que íbamos a ser grandes. Fue el primer sencillo tras haber firmado con una disquera importante, allá por el ‘91. Las cifras que se manejaban en ventas eran como de 10, 20 mil y nosotros vendimos 150 mil copias, que era mucho más de lo que cualquier artista vendía. Para mí esta canción abrió todo este espectro.

“Prisioneros de la piel”
Beto: Me recuerda toda nuestra primera época. Esta canción define muy bien el sonido de nuestras raíces. Mauricio toca la batería pero con una secuenciada, que en esa época mucha gente no entendía.
Mauricio: Y lo hice para eso exactamente.
Beto: Que sonara sintético, algo techno. Y, al mismo tiempo, para mí estaba la inquietud sobre los temas esotéricos, de la vida detrás de la vida, y cosas que leía en esa época.

“Tejedores de ilusión”
Beto: La guitarra tiene una cuestión melancólica que inevitablemente me recuerda cuando murió André. La pasaban mucho en las noticias cuando falleció, así que me quedó estampado ese momento. Hoy en día lo veo no con tanta tristeza, sino con alegría, porque su paso por el mundo, aunque fue corto, fue muy bueno; engendró cosas increíbles, buenas canciones, armó una banda que sigue ahorita tras 15 años.

“El duelo”
Beto: En esa época entró Pedro y era complicado para los fans, porque era el primer disco que hacíamos sin André. Muchos pensaban que no la íbamos a hacer, que el grupo se iba a acabar, pero la canción fue un éxito. Pedro no era el reemplazo, era el guitarrista que vino a tomar el lugar de André con mucha personalidad.
Pedro: Yo recuerdo más de esa época el cambio de vida a México, pero sobre todo la pena de haber perdido a un amigo. Entré a un grupo que sentía mucho dolor pero también muchas ganas de seguir adelante, aunque había quienes nos querían enterrar. Pero fue muy especial. Mis primeros momentos en el grupo fueron de pena…
Beto: Fue una cosa que le chocó a mucha gente, como a la familia de André, quienes pensaban que no vivimos el duelo como correspondía según ellos, que era quedarse sin hacer nada un tiempo, pero tomamos esta decisión porque queríamos seguir, no quisimos dejar de aportar algo. Fue muy complicado atravesar todo este mar de escepticismo pero lo logramos. Sacamos un disco que resultó maravilloso, tenía una carga emocional muy. Para mí es uno de los discos fundamentales de La Ley.

“Día Cero”
Beto: La primera lectura de la canción es de alguien que no sabe quién es, con una amnesia definitiva. Reconoce que está vivo y que debe salir adelante, aprender a amar la gente y a tener nuevos amigos, por eso dice: “No intenten enseñarme a quién quise y a quién debo amar. Comienza el día cero y mañana su continuidad”. Eso es básicamente lo que estábamos viviendo. Hicimos un reset con la experiencia pasada y el sentimiento a flor de piel, pero con las ganas de seguir vivos, creciendo, como lo pretendía André. Y creo que desde el más allá nos echó la mano y nos ayudó, porque era lo que él quería, que La Ley fuera reconocido en muchos lugares…

Vértigo
Beto: El primer sencillo de ese disco, “Fotofobia”, solo está en el DVD. No sé si “Vi” era más representativa, pero sí tuvo más trascendencia. “Fotofobia” salió seis meses antes de que saliera el disco…
Pedro: ¡Y a nadie le gustó! Pero, bueno, fue una gran apuesta y la canción me gusta.
Beto: Quizá fue una medida soberbia sacar esa canción y tanto tiempo antes, porque veníamos de un gran éxito tras el Invisible y yo la apoyé, pero Mauricio proponía que el sencillo fuera “Vi” y tenía toda la razón.
Mauricio: Y todavía no me hacen caso. (risas). Pero ese disco es muy especial. Y el otro día lo andaba buscando, pero no lo encontré. Creo que alguien me lo robó. Así que tuve que bajarlo del iTunes.

Uno
Beto: Todo el Uno fue nuestra reconciliación con las guitarras, después de que Vértigo lo hicimos casi todo con máquinas. Quisimos que todas las canciones sonaran mejor primero en guitarras acústicas. Fue un éxito que nos volvió a meter a la radio, nos regresó al gusto de la gente a nivel popular.

El Unplugged
Beto: Una especie de recuento con las canciones que habían marcado épocas. Fue maravillosa experiencia, pudimos estrenar canciones como “Mentira” e “Intenta amar”, además de la colaboración con Ely Guerra en “El duelo”, de nueva cuenta, otra versión que pronto cobró vida propia.
Mauricio: “Mentira” originalmente iba a estar en Uno, pero al hacer la junta previa, como que no nos terminó de gustar.
Beto: En aquel momento dijimos que era muy tipo bolero y que no iba con nuestro concepto. Ya había hecho algo, pero no tenía el coro. La estrofa estaba bonita, pero necesitaba algo que la llevara a otro lugar, y cuando realizamos el Unplugged terminó de crearse.

Libertad y “Mírate”
Beto: Está directamente ligado con el Unplugged. Nos levantamos en México la mañana del 11 de septiembre de 2001 con las noticias. Y horas después estábamos en el hotel haciendo una conferencia de prensa para presentar el disco, pero era una sensación rarísima. Con todo lo que había pasado, sentíamos que teníamos que involucrarnos de una forma más activa en decir cosas que fuesen importantes para la gente, porque dentro de la música casi siempre hablas de ti mismo y no de cosas que suceden y la gente debería de escuchar. Por ahí surgió la inquietud de Libertad, que se convirtió en un disco con una temática social mucho más clara y marcó una nueva etapa en el grupo a desarrollar que hasta ahora seguimos. A pesar de que esta es una recopilación, por ejemplo en la nueva canción, “Mírate”, hay un dejo de libertad y esas ganas de decir cosas, de expresarle a la gente que es hora de despertar, de que también son culpables de las cosas que pasan en el mundo y que nosotros somos los que podemos cambiar las cosas. Hay que involucrarse, hay que votar, hay que hacer valer los valores que uno tiene… Es hora.

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holass!!

aqui les dejo esto...

STRAYLIGHT RUN



Con su elegante, pianístico y homónimo debut, el cuarteto estadounidense busca dar una vuelta de tuerca al anquilosado sonido emo-rock. El pausado John Nolan (guitarra, voz, piano, glockenspiel) reitera palabras como ”diferente” o ”novedoso”, y no lo hace de forma gratuita. Que “Straylight Run” (Victory/Mastertrax, 04) tiene por objeto romper ataduras y convenciones se hace patente desde el comienzo del álbum, con la valiente “A Perfect Ending”.

Nolan se explica. “Gracias. Poner esa canción ahí era una forma de indicar que queremos hacer algo diferente. En muchos sentidos no queríamos hacer un disco típico, ni necesariamente algo que la gente esperara. Así que pensamos que sería una buena forma de señalar eso”. Para que se hagan a la idea, es el corte “arriesgado” que la mayoría de grupos se reservan para el final del trabajo. Importante es la presencia de Michelle Nolan, hermana del entrevistado. En vivo ambos se turnan con piano y guitarras, pero, revelan, incorporarán a una quinta persona para algunos de los teclados adicionales en varios temas, e incluso meter ciertas partes de cuerda desde el piano. Porque cuerdas también las hay en “Straylight Run”: cuatro músicos, entre ellos Karl Berger (conocido por su labor con Natalie Merchant y en el mítico “Grace”, de Jeff Buckley) hicieron su parte en múltiples pistas y le dieron un sonido más de orquesta al completo. En todo caso, aunque John asegura que la música clásica se filtra en su propuesta tal y como otros estilos de su agrado, no han salido del conservatorio: ”Ninguno de nosotros tiene formación clásica de verdad. He aprendido un par de piezas clásicas con el piano, pero no muchas, sobre todo soy autodidacta”.
En la banda no piensan que comparaciones con los primeros The Anniversary o Something Corporate sean acertadas, aunque sí admiten que las voces de ”The Tension And The Terror” beben de Jimmy Eat World. “No lo había pensado antes, pero puedo entenderlo”, afirma un Nolan que prefiere a los Jimmy Eat World de “Clarity”. “En él hacían algo más interesante y un poco más personal”, argumenta. Donde de verdad nos rompen los esquemas es en “Tool Sheds And Hot Tubs”, pues se descuelgan con un bailoteo en plan Delorean. “Creo que suena a Straylight Run a su manera. Vamos, creo, pero podría estar equivocado”, indica el interlocutor en un gesto de humanidad. Y bien, ¿por qué motivos habríamos de elegir este disco entre todos los existentes en el mercado? Tras una pausa, John lo intenta: “Me resulta difícil decirle a la gente por qué les deberíamos gustar. Lo único que puedo decir es que hemos tratado de hacer algo un poquito diferente de lo demás”. Sin saber hasta qué punto lo han logrado, seguirán probando cosas distintas sin explotar su pasado, porque, aunque no lo pregonen en absoluto, dos de sus miembros estuvieron en Taking Back Sunday, combo cuyo debut ha vendido cerca de medio millón de copias. “En lo que a mí respecta eso no significa nada, no sonamos como ellos. Me da igual si la gente sabe que estuve en Taking Back Sunday, y no me molesta hablar de ello, pero no quiero utilizarlo para intentar promocionar este disco, porque no hay conexión alguna”.

att.
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He escuchado muy poco la música d Placebo es muy bueno

Y ps d este último grupo no conozco nada... a ver si x ahi busco algo jeje
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::: "La medida del amor, es amar sin medida" :::

pues te dire que de placebo nada mas me gustan un par de rolitas que tienen, y de este ultimo grupo al parecer es nuevo

att
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